Questa è una classifica con i migliori dieci dischi indie pop scelti dalla nostra redazione in ordine dal 10 al primo:
Padre John Misty – Paura divertimento (2012)
Il primo album di Josh Tillman con il nome di Padre John Misty ricorda spesso la sua vecchia band, i Fleet Foxes. Ma ricorda anche John Denver, Neil Young e, a volte, The Band. E’ anche la migliore realizzazione di quel vecchio, dimenticato descrittore di genere “freak folk” – qualcosa di un po’ più strano e fantasioso del suo vecchio gruppo, ma con le stesse atmosfere big-sky. Lasciando il suo nome e la sua auto-seriosa scrittura di canzoni alle spalle ha liberato Tillman per abbracciare il suo spirito acerbo, e un trasferimento a Hollywood lo ha liberato per abbracciare un po’ più teatralità. Il risultato è una raccolta di una dozzina di canzoni intelligenti e coinvolgenti che non sono invecchiate dopo innumerevoli ascolti.
I fratelli Avett – Emotivismo (2007)
Così come il serio roots rock della band ha aiutato a rovesciare assurde credenziali hippie come “Don’t trust anyone over 30”, gli Avett Brothers hanno fatto del loro meglio per combattere il distacco hipster moderno e la pseudo-coolness con le semplici e poetiche canzoni di Emotionalism e i lamenti introspettivi e agrodolci. L’album, fino al titolo stesso, è una celebrazione della passione inconsapevole. E’ anche un enorme passo in avanti dal punto di vista musicale: Il relativo smalto sonoro funziona magicamente in contrasto con il bordo frastagliato degli Avetts; vanno oltre il loro nucleo di chitarra acustica, banjo e basso verticale (un cambiamento anticipato da “Colorshow” di Four Thieves Gone), aggiungendo pianoforte, B3, batteria, chitarra elettrica e mandolino. Le voci si sentono disposte con più attenzione, contando meno su urla e grida energiche e dando alle melodie spazio per respirare; e le influenze che spuntano sono più varie che mai, la musica ricorda sporadicamente di tutto, dai Beatles dell’epoca di Help ai notturni di Chopin.
Occhi luminosi – Sono Wide Awake, è mattina (2005)
Con Wide Awake, l’antico principe dell’emo è finalmente cresciuto, e – per quanto un artista poteva durante un decennio di tale frammentazione culturale – è diventato il portavoce involontario della sua generazione senza scopo. La poesia dei testi di Conor Oberst ha catturato i cuori di altri ventenni con le loro urgenti, esaurite, esaurite, innamorate e perse la meraviglia del pensiero. Si sentiva come se stesse cantando collettivamente le nostre menti, ponendo le grandi domande, confrontandosi con una cultura della paura, cercando nuovi inizi, lottando con Dio e perdendo verità e innocenza.
Bon Iver – Per Emma, per sempre Io (2008)
Non da quando un torrente ha bevuto una culla nel 2002, nessuno ha mai superato così silenziosamente la comunità indie-musicale come Justin Vernon nel 2008 con For Emma, Forever Ago di Bon Iver. Questo solitario album post-scioglimento è inzuppato in quel tipo di malinconia che assomiglia molto alla gioia, e suona altrettanto vivo. Piuttosto che crogiolarsi nella perdita, il falsetto ultraterreno di Vernon e la calda chitarra acustica offrono un contrasto promettente con testi come “Saw death on a sunny snow”. Era meno come la fine di una relazione e più come la promessa di un nuovo inizio
Nick Drake, Luna Rosa (1972)
Pochi album degli anni ’70 sono invecchiati così come l’ultimo album di Nick Drake del 1972, registrato in un paio di sessioni post-midnight con il solo Drake e il produttore John Wood. La semplicità della chitarra acustica, il piano sottile e le voci sussurrate avrebbero potuto essere registrate quattro decenni dopo – e in effetti molte altre copie degli album di Drake sono state vendute dalla sua morte nel 1974. E, naturalmente, il dolore di cui canta non diventerà mai irrilevante. Bellezza e malinconia raramente si sono mescolate in modo così completo come nelle canzoni che affrontano il desiderio, la disperazione e i più sottili raggi di speranza
Gillian Welch – Revival (1996)
Gillian Welch e il suo partner musicale David Rawlings provengono rispettivamente da Los Angeles e Rhode Island, ma sono arrivati sulla scena indie folk nel 1996 come se si fossero appena sciolti dal ghiaccio dell’era della depressione Appalachian Mountain. I racconti di londinesi e ragazze del bordello si abbinano al vecchio stile di Welch, e non sembravano affatto forzate. Non sorprende che un debutto come Revival abbia segnato l’inizio di una carriera spettacolare.
Ferro e vino – I nostri infiniti giorni numerati (2004)
E’ raro che un album di debutto giri così bello e originale come The Creek That Drank The Cradle di Iron & Wine, ma per il suo impegno al secondo anno, Sam Beam è riuscito a migliorare il suono dei nastri di base del suo nuovo Americana senza sacrificare la sua intimità. Ha arruolato il produttore Brian Deck (Modest Mouse) per dare profondità musicale per abbinare i testi inquietanti di canzoni come “Sodom, South Georgia”, “Cinder and Smoke” e “Naked as We Came”.
Elliott Smith – Uno o l’altro/altro (1997)
La musica di Smith consisteva di voci wispy e stanche accanto a una chitarra acustica solitaria, una rappresentazione perfetta dei suoi stati emotivi desolati e contorti. Anche se aveva una fragile opinione di se stesso, ascoltando Either/Or si rivela un talento eccezionale.
Anche se Smith si trovava sotto il peso della depressione e della dipendenza, l’album ampliava il suo suono, intrecciando i suoi fondamenti acustici con chitarre elettriche, basso, tastiere e batteria, il tutto suonato da Smith. Tre canzoni sono state incluse nella colonna sonora del premio Oscar Good Will Hunting.
Albergo del latte neutro – in aereo sopra il mare (1998)
Neutral Milk Hotel ha fatto un record senza tempo scattando un’istantanea di una realtà che non è mai esistita. Liricamente, Jeff Mangum immagina fantasmi e mostri del circo e Gesù Cristo che danza intorno alla propaganda nazista in fiamme, e il trattamento sonoro danneggiato favorisce la visione; quei corni su “Holland, 1945” suonano come un immaginario strumento disegnato dal Dr. Seuss realizzato. Ma il personaggio più mitico da sviluppare da In The Aeroplane Over the Sea fu lo stesso Mangum, che evitò le luci della ribalta per mezzo decennio dopo l’uscita dell’album. Quando “King Of Carrot Flowers Parts 2 and 3” esplode da un risveglio domenicale alimentato ad acido in una canzone fuzz-punk ultraterrena, chi non è pronto a legare i Nike Windrunners e seguire Jeff Mangum alle porte del Paradiso?
Sufjan Stevens – Illinois (2005)
Nel 2005, quando Sufjan Stevens ha pubblicato l’Illinois, il secondo album del suo progetto di almeno due stati, l’orgoglio americano era in calo, come lo è oggi. Il bilancio delle vittime in Iraq era in costante aumento, e ne avevamo ancora George W. Bush a capo. Nel frattempo, Stevens stava cominciando a sembrare abbastanza brillante da realizzare il suo ambizioso piano per il 50esimo stato. La sua musica spingeva i confini tra pop e classica, e il peso emotivo dei suoi testi fondava la sua voce leggera come una piuma. C’era una spiccata peculiarità dell’Illinois e dello stesso Stevens, che diede titoli come “To the Workers of the Rock River Valley Region, I Have an Idea Concerning Your Predicament”. I critici hanno abbracciato il mistero e hanno dichiarato l’album un capolavoro. Stevens e la sua band, gli Illinoisemakers, indossavano costumi da cheerleading sul palco per promuovere il disco, e una volta che il suo successo li ha portati in luoghi più grandi, Stevens è passato a giganti, ali di uccello colorato. La sua band era uno spettacolo, le loro performance magiche. Migliaia di fan si riunirono nei teatri di tutto il paese per vedere questa creatura alata e radunarsi dietro le sue canzoni sul cuore dell’America. Era un nuovo, strano tipo di patriottismo. Stevens ha raccolto fatti e aneddoti sul grande stato dell’Illinois, mettendoli insieme in ambiziosi schemi di rima e avvolgendoli in arrangiamenti meticolosi. “Decatur, o Round of Applause for Your Stepmother” è superficialmente una canzone su una città, ma sotto la banalità da manuale c’è la storia di Stevens di riconciliarsi con la moglie di suo padre. Il “Casimir Pulaski Day”, una festa per un amico che muore di cancro alle ossa, e “The Seer’s Tower” guarda il culto dell’idolo dal punto di vista dell’edificio più alto di Chicago. E poi c’è “John Wayne Gacy, Jr.”, la canzone acustica silenziosa e da incubo sullo stupratore e serial killer che ha predato i ragazzi adolescenti, nascondendo i loro corpi sotto le assi del pavimento nella sua casa di Chicago. “Suo padre era un bevitore e sua madre piangeva a letto / Le magliette di Folding John Wayne quando l’altalena gli ha colpito la testa”, ha cantato Stevens, riferendosi a una storia vera. Ma la conclusione della canzone è ciò che ha fatto parlare la gente: E nel mio comportamento migliore, io sono proprio come lui”,” Stevens si è piazzato per metà mentre la musica si calmava dietro di lui. “Cerca sotto le assi del pavimento i segreti che ho nascosto”. E’ stato un sorprendente sentimento confessionale nel cuore del miglior album indie-folk di tutti i tempi.